配音技巧和方法范文1

关键词：影视剧；人物配音；贴合技巧

塑造人物是影视配音创作的核心。随着我国改革开放的不断深入，随着世界文化多样性潮流的涌进，各民族间文化的相互交流、相互交融、相互影响日益增强。影视译制事业恰恰在改革开放春雨的滋润下，发育、成长、壮大。

配音是指对未经同期录音的影视片进行的一种还原或补充的后期制作过程，其包含的声音素材为人物语言、现场音响、画外解说、音乐等。配音过程中，人物语言应与人物口型、人物动作一致，现场音响应符合现场事件和环境，画外解说、音乐体现出创作者的意图并与情节发展相配合。从狭义上说，配音是指在影视剧作品中，专为对白、独白、内心独白、旁白以及群杂等人物语言的后期配制而进行的一系列艺术创作活动。影视配音艺术创作从诞生的那一天起，就具有独特的技术性：一方面表现为对录音科学技术的依赖；另一方面，其创作本身又具有独特的技术技巧。

配音绝不是单纯背台词、对口型，而是根据原片进行再创作的一门艺术。影视剧人物配音贴合技巧体现这种创作的根本所在。贴合技巧包括贴合角色人物的口型、贴合角色人物的行动、贴合画面的情境、贴合人物内心感觉及戏相等。

一、贴合角色人物的口型

它是配音工作的核心，也是影视剧人物配音创作中最基本、最具特点的技巧。人们观看译制片，首先最直接的便是看配音与原片人物说话动作的长短是否相合。人物口型的贴合，首先要做到原片人物的口型时间长短相一致，形成同步。要对准人物口型的长短，首先，要把握有声语言节奏的问题。贴合口型的长短不是仅仅记着从什么地方开始，什么地方结束就可以了，而是要在把握人物性格和具体场景的基础上，体会人物语言的节奏，调整自己心理节奏的快慢、松紧与之相合。其次，就是贴合人物口型的开合。要想达到人物口型的精微贴切，更好地还原人物的音容笑貌，达到传神的境界，要努力做到贴合人物口型的开合。无论是普通话译制片、外语译制片，还是地方语和民族语的译制片，在说话时的口型上却都有着明显的表现。最简单的方法之一，是在不影响语速与表达清楚的前提下，再加上一个正好合上口型开合状态的语气词等虚词与之相吻合。最后，就是贴合人物口型的松紧。要解决这个问题，办法很简单，不能只贴人物口型的外部长短与开合状态，还要极为重视其内心状态导致的筋肉感。要从表演出发，跟上人物的种种心理与生理表现，适当调整自己说话的筋肉感，该松则松，当紧则紧。

二、贴合角色人物的行动

在幻化人物的时候，除了抓住人物语言的性格特征以外，还要与原片人物角色的行为特征同步。要想贴合人物的行动，首先要贴合人物的气息。因为要配好人物，先要与之“同呼吸”。气息状态首先表现的是人物的心理节奏。配音时我们如果没有贴合人物的气息，即使口型对得严丝合缝，但依然给人的感觉是“两张皮”。行为动作本身就是演员塑造剧中人物的重要组成部分。配音演员对片不能光看口型，还要看他的表情、手势、一转身、一呼吸，这都要仔细观察，才能更好地贴合人物的行动。

三、贴合画面的情境

影视剧人物配音时，除了贴合人物口型和行动以外，还要把握好作品的整体节奏，贴合好作品中所有与人物情节有关的表现手段与情境，才能全面、立体地配好人物。无论对白、旁白、人物身份都要准确。无论画里画外、语言感觉都要贯穿。在很多影视剧作品中，很多时候，人物语言并不都完全对应在人物面部的画面上，越是较长的、大段的语言越是如此。要想处理好画里画外的问题，需要保持人物感觉的贯穿，尤其是语言节奏和心理节奏的统一和贯穿。在技术上，初对时要画好气口位置，标明画外的内容，记住时进时出、时近时远、时正时侧的人物语言的开口位置。

四、贴合角色人物内心感觉及戏相

与人物感觉相贴合有两个方面：（1）与人物总的个性、气质相合；（2）与人物的每一具体活动即思维、情感、表情、动作相合。也就是说，要为一个人物配音，要从心理上完全成为那个人物。只有这样，才能真正把握住那个人物的一切心理行为，配音语言才有底蕴。

综上所述，在影视剧人物配音过程中要把人物体现得活灵活现并且去“还”角色人物的“魂”，必须掌握贴合技巧。要掌握好整个影视剧人物贴合技巧，除了上述的贴合角色人物的口型、贴合角色人物行动、贴合画面的情境、贴合人物内心感觉及戏相以外，还要贴合气质、气息等。

参考文献：

[1]王明军，闫亮.影视配音艺术.中国传媒大学出版社，2009.

[2]施玲.影视配音艺术.浙江大学出版社，2008.

[3]李力宏.表演艺术之有声语言再创造：影视剧配音创作浅析.当代电影，2007（06）.

配音技巧和方法范文2

关键词：民族声乐 共鸣 技巧

只有高超的技巧、优美的声音才是声乐演唱所需要的。每一位声乐演唱者都在努力的追求优美的嗓音，不断地提高自身的发声技巧。歌唱是一门高雅的艺术，通过声音，就能够让听众感受到其中的内容与情感，进而达到感化听众的目的。而正确的呼吸、咬字以及共鸣，才是良好声音的获取方法。在声带当中，人们的声音是非常小的，但是通过共鸣的方式，能够数倍地扩大原来的声音，从而让声音逐渐地趋近于完美。对于歌唱来说，共鸣是非常重要的前提，对于演唱者的音色、音量以及音高都会产生直接的影响，因此，我们要把握共鸣技巧，才能够展现完美的声音。

一、共鸣

想要声乐作品艺术效果的完美，我们就不能够忽视共鸣的作用，想要“运用”共鸣，我们就需要先对共鸣的基础理论知识有一个全面的了解。那么，什么才是共鸣？

共鸣指的是某一个物体由于受到振动从而发出了声音，并且这一种声音传播到了其他的物体之上时，其他的物体也出现了共振现象。除了基音之外，当一个发音体在发音振动时，也会出现微小的泛音。

形成人体共鸣主要是从歌唱的发音到人体内各种共鸣产生腔体的利用，在受到了气息的作用之后，对声带产生了冲击，从而出现了基音。虽然这一个基音非常的微弱，但是当基音进入到了固有的人体共鸣空间后，就会有不同刑事的声波共振产生，从而就出现了悦耳而又优美的歌声，使用共鸣不仅能够将音响的效果扩大，也能够达到美化声音的效果。

在发声时，对于可以调节的共鸣墙体进行调节的时候，主要是根据音的高低变化。每一个共鸣腔都不能够孤立使用，而是需要练成一体，共同使用，主要是将头、口、胸腔一起混合使用，从而形成“整体共吗”。

二、共鸣技巧在民族声乐当中的运用

（一）呼吸训练

由于民族声乐的唱法与美声虽然各有特点，但是也有共性。所以，我们可以根据民族声乐的延长方法，从而养成良好的歌唱语言以及发生法，在民族声乐唱法当中，把握正确的呼吸才是基础，对于整个国内的民族声乐演唱来说，呼吸的作用都无法磨灭。在呼吸训练当中，我们首要目标是找准呼吸支点。在站立的时候，首先要保持身体放松且又挺拔，然后嘴、鼻同时吸气，保持双肩不会出现上抬现象，并且在两肋和腰部找到气息的支点，再配合上收缩小腹，如此，在支点支持的控制之下，气息就能够缓缓地呼出。另外，在民族声乐的歌唱训练中还要根据音的强弱以及不同的音域来进行，比如：连音、低中高音、断音、强弱音的训练。最后，在呼吸时，必须保持自然性，不能够违背了生理规律。

（二）语言的训练

唱歌与说话是完全不同的，在演唱当中，吐字要求结合到声音的共鸣，也只有完美的结合，才能够让听众感觉到歌唱的动听、优美、丰满。因此，第一，做好五音的了解以及四声的分辨，在演唱当中还需要将旋律以及歌词所表达的情感准确的传达出来，这就要求了要严格的进行语言的训练。作为一名民族声乐的演唱者，需要将字头、字腹与字尾明确的分出来，在开头不能够拖延较多的时间，保持干净利落：在腹部要保持与声音密切的关系，在训练当中要注意合、开、齐、撮之间存在的不同，从而巧妙的结合字音，产生共鸣效果。第二，气息与吐字也有着密切的关系，我们要保持吐字、咬字的准确、清楚，通过气息将字送出来，并且配合上牙、齿、唇、舌的连贯性。另外，在歌词的内容上也要多多做好“备课”，才能够将歌词想要表达的意境结合起来。

（三）共鸣技巧的使用

在民族声乐的演唱当中对于“情”的表达是相当注重。所以，在演唱中对于共鸣的调节可以通过情绪以及情感的需要来进行，另外，也可以根据“字正腔圆”、“声情并茂”的原则，来对共鸣腔进行灵活化的运用。还有，对于咽腔通道的运用也要留心，例如：在演唱中音区的时候，就需要将主导放在口咽腔、喉咽腔和鼻咽腔，在辅助配合上胸腔和鼻腔来达到共鸣，这只有如此的歌唱，才能够保持咽腔通道的“畅行无阻”。

配音技巧和方法范文3

关键词：长笛 影视 作用 应用 《料理鼠王》

长笛，音色优美动听，表现力丰富。这不仅是因为它有着宽广的音域，更是由于其所具备的丰富的渲染力和较强的穿透力。正因如此，长笛不仅是绝好的独奏乐器，更能够在乐队演奏中起到极为重要的作用。在当代的许多影视剧中，长笛越来越多的作为配乐乐器出现，或主或辅，对影视剧的情节、影视音乐等起到了极为重要的作用。本文即从长笛的构造及演奏特点入手，结合美国迪士尼动画影片《料理鼠王》中的长笛演奏，对长笛在影视中的作用及应用进行细致阐述。

一、长笛及其演奏特点

长笛，是一根开有数个音孔的圆柱型长管，早期材质是乌木或者椰木制，现代多使用金属材质。现在的长笛虽然是金属所制，但是由于其发音原理跟以前木质的相同——由长笛最上方的木塞震动而发声，使得其在西方管乐中一直被称作木管乐。但不可否认的是，传统木质长笛和金属长笛还是有着区别的，木质长笛的音色特点是圆润、温暖、细腻，音量较小，而金属长笛的音色就比较明亮宽广。

长笛之所以能长久应用流传，归因于其独特的演奏特点，这主要表现在以下方面：

首先，长笛之音色悠扬灵活使其符合众多音乐的内涵。自产生以来，长笛的材质已经从木质到金质银质，操控方式从孔到键，结构也由单管到多节，功能由原本只能吹几个单音到今天能够演奏多种多样风格的作品……长笛作为管乐器中最灵活的乐器之一，不仅能够有效地演奏甜美悠扬的乐曲，更是特别擅长演奏快速的断音和快速的同音反复。换句话说，长笛音色独特，不仅能够在低音区（音色朦胧浑厚）、中音区（清澈抒情柔和）、高音区（光辉明亮）中灵活转换，更具有极强的穿透力。正是由于长笛有着这样悠扬兼灵活的特点，它很容易被人们接受，甚至喜爱，这也是人们常常用于影视音乐的主要原因。

其次，长笛的演奏技法多样而灵活，非常适用于影视音乐。长笛属于技巧性管乐器，在很多的影视音乐及交响音乐中长笛被用作增加色彩性的乐器。例如：用它演奏的装饰音（倚音）经常用来描写昆虫、树林中的小鸟等；用它演奏的半音阶经常用来描写野蜂飞舞或是描写大自然（风声）的景象；用它演奏的连续性的音阶，经常用来描写潺潺的溪水，缓缓流淌地小河等；用它的演奏技巧相结合能刻画出机灵活泼的人物形象。总之，长笛的演奏技法多样灵活，富于变化，易于被作曲家喜爱。

再次，长笛应用于影视音乐有着重要的意义。长笛以其多样而灵活的演奏技法成为影视音乐的宠儿，一是它能够使影视音乐在原有配乐基础上更为灵动，处处充满自然性的生机和活力；二是通过配乐它可以丰富影视音乐的内容，使剧情在人物、情节之外还富有独特的灵魂音乐感，引导剧情更加深入人心；三是作为影视音乐的主旋律乐器，长笛应用技巧的成功与否，将直接影响到影视音乐乃至整个影视剧整体艺术气息的展现。

二、长笛配乐在影片《料理鼠王》中的作用

2007年出品的迪士尼动画影片《料理鼠王》在很长一段时间内产生了轰动效应，这不仅取决于其内容对广大群体尤其是少年儿童的吸引力，还取决于影片拍摄的精良度及视觉效果的冲击性，更离不开与影片剧情相得益彰的配乐。《料理鼠王》的影片配乐是具有独特风格的，它具有以往美国迪士尼动画影片的配乐风格，即用适宜于欢快、兴奋特点的诸如小提琴等乐器进行配乐，同时还将各种音乐风格融会贯通，这是与以往迪士尼动画作品的配乐不同的。《料理鼠王》中，影片音乐创作者将传统的交响音乐、现代游戏配乐等音乐创作手法交汇运用，使观众在看影片的同时感受到管弦乐、电子音乐融合在一起的新式风格。事实证明，影片音乐人的这种“混搭”配乐让影片的音乐创作既具有现代精神又具有丰富细腻的内涵，这种多元音乐文化的交融创新，使影片的配乐效果与众不同，十分符合现代观众的审美需求。

《料理鼠王》中的配乐根据主要是剧中的卡通角色及其所引领的故事情节、主题思想，同时，影片本身要求做到准确把握不同的角色心理以刻画出不同的任务形象，揭示角色行为下的主人公小米的思想感情，上述因素都使得配乐各不相同。如《料理鼠王》用长笛演奏了多首经典欢快名曲，但它们分别被用于不同场合以渲染主人公——小米鼠的情感、思想和行为的变化。应当说，长笛贯穿小米鼠在剧中行为展现的整个过程，将小米鼠这一坚强小老鼠的形象刻画的极其生动。

1.长笛曲渲染了《料理鼠王》的整体欢快气氛。正如前面所说，长笛可以通过音色、旋律的变换表现出诸如自然等场景和气氛。《料理鼠王》在描述整个剧情时，是以灰鼠小米作为绝对的主线，而小米的整个行为过程都搭配有长笛做铺底，这些长笛曲随剧情尤其是小米的遭遇有时加上一些欢快、幽默的配曲，有时则加上压抑的、不协和的旋律，让音乐透露出飘忽不定的感觉，不仅给小米笼罩上了坚强的神秘色彩，更给整部影片的向上基调定了位。

2.长笛演奏成为小米的心理情感象征。长笛是一种音色变化多样细腻的乐器，它的音色轻盈柔和，这正切合小米作为一只小老鼠外表温柔孱弱的特征，同时也符合小米对烹饪的情感。尤其是在描绘小米各项为了烹饪而进行的不懈努力行为时，音乐创作者选用了不同风格的音乐用长笛采用不同的演奏技巧进行配乐。这些穿插在影片中代表小米心理情感元素的长笛曲，时而柔和、时而轻快，再配合上长笛吹奏出上行小二度的旋律进行，从音乐上给小米这个人物描绘上了励志向上的色彩。如在哥哥及爸爸被老太太追打走散之后，曾出现了一段长笛主奏的柔和旋律，低沉阴郁，不仅表现出了小米心中的难过，也为小米本身性格的感情细腻画上了一笔浓墨重彩，为后面它的成功打下了性格基调。

三、长笛演奏技巧在影片《料理鼠王》中的应用

正如前面所说，长笛演奏技巧可称得上是木管乐器中最灵活最全面的，各种乐句、调式音节等都能比较灵活的吹奏出来。正因如此，其在影片《料理鼠王》中的应用可谓既广泛又深刻。《料理鼠王》虽然是传统意义上的迪士尼动画影片，相应的音乐也应当与剧情相符，但由于音乐创作人对长笛的理解与准确把握，使世俗的和神圣的音乐在长笛上达到交融、古典的和现代的音乐在长笛上共鸣。

（一）《料理鼠王》中长笛演奏的总体原则

1.演奏技术精妙。《料理鼠王》全剧贯穿了长笛演奏作为配乐，并对长笛配乐演奏进行了精细加工，无论在呼吸技法还是吐音、颤音等技术方面，都体现出了演奏者精妙的技术。演奏者在对这些技术进行精雕细琢时，充分考虑到了演奏方式与剧情内容的契合，从音强、音准方面都给予了适度的刻画。

2.演奏技巧创新独特。在对演奏技术进行精妙改进的同时，《料理鼠王》的长笛配乐演奏者在演奏技巧方面也进行了创新——在剧情允许的范围内扩大或缩小原本规范的音色范围；在吐音、颤音的合理呼吸运用基础上开创了半吐、半颤音等，这些创新不仅有效的推动了影片情节的发展，更对影视音乐发展起到了借鉴作用。

（二）长笛演奏在《料理鼠王》中的具体应用及表现

正是鉴于上述原则，长笛演奏在影片《料理鼠王》中得到了十分有效且适当的应用，主要表现在以下方面。

1.气息和呼吸的适度转化应用

长笛作为吹奏乐器，在演奏时需要大量气息的运用，尤其是在以情节为主的影视剧音乐中，对气息和呼吸的把握应用更需适当。在《料理鼠王》中，主人公小米的命运是跌宕起伏的，这就决定了在演奏中演奏者的气息和呼吸运用一定不会是从一而终平缓的，需要演奏者根据剧情配乐的需要适度转化气息和呼吸运用：当小米的语言、行为散发出对烹饪的情感、对厨王之子的帮助时，长笛演奏定会适时出现，同时运用大量调性的转换，较大尺度的突出气息的铺垫和呼吸的程度技巧；小米每次在老板的打击下由安转危或是由危转安，长笛演奏都会变换演奏音彩，将气息轻重加以转换，时而将呼吸改换方式及频率，以形成气息与呼吸搭配剧情的新体系，突出小米这一角色的形象及性格特征。

2.规范吐音与颤音吹奏的有效穿插

吐音是长笛吹奏时的一种典型且重要的吹奏方式，它在《料理鼠王》中也有着不少应用。当小米的命运得到转折，尤其是由悲开始转喜时，长笛配乐就会出现吐音的元素，演奏者往往将较为欢快的乐曲配以相应的吐音，以配合小米命运的跳跃，让观众听众在看到剧情的同时伴随着听觉的协调搭配，真正达到全方位多立体的观赏效果；同时，颤音总是伴随在《料理鼠王》吐音的左右，小米每次眼看就要历险，长笛配乐就会出现些许的类似波浪形的声音，这些声音既以其自然柔美使听者感受到影片中的音乐美，更带有着俏皮的元素让观众对小米这一角色有一个全面的了解。

3.音色的自由转换

在旋律方面，长笛之所以能够成为《料理鼠王》中最主要的配乐乐器，主要就在于其好听的音色效果上。长笛的音色有时就在于其不仅不受以往诸如钢琴之类的主流乐器所受的“修辞学”般的规范和约束，更有助于利用自身的旋律跳跃性对主题发展起着重要的推动作用，保证配乐的连贯性。在《料理鼠王》中，长笛的旋律之所以是出现频率最高的，正是由于其音色的灵活自由转换能够使配乐与剧情的搭配契合感空前的加强，不仅能是剧情得以凸显，又融合了较强的即兴性，改变了以往影片音乐中往往以动机展开方式为基础的器乐性旋律的面貌。尤其是在小米一次一次受到打击，由一次一次坚强应对，最终实现了自己烹饪梦想的过程中，音乐创作者们将配乐的力度、速度等方面与音色的自由转换有机结合，进行了精心布局，使每首舒缓柔情的名曲在长笛的演奏下发出了震撼人心的力量，极度抒发了小米这一主人公不同时期分明的各类情感。

四、结语

长笛作为木管乐器的代表，在各类乐曲中都能有效施展其作用。《料理鼠王》作为经典的动画影视作品，其配乐却融合了现代、传统等多种风格，这使得长笛有了极大的用武之地：空灵的声音、丰富的音色变化、多变的旋律、可控的节奏，这些都使剧中的经典曲目与剧情相得益彰，不仅得当的表现出原曲柔婉悠远的意境，更使人们强烈感受到了单一传统的音色己经无法胜任的现代混搭音乐风格。总之，长笛演奏风格的多元化已经成为长笛演奏的必修内容，这对现在音乐以及经典音乐等多种音乐的长远发展有着极为重要的意义。

参考文献：

[1]钱芑.长笛技巧强化训练[M].上海：上海音乐出版社，2006.

配音技巧和方法范文4

关键词：扬琴；轮音；种类；技巧

1.前言：扬琴作为我国非常重要的民族乐器，已有四百余年历史，深受各地文艺爱好者的喜爱，穿越扬琴的发展历程，扬琴大都是以伴奏的身份活跃于民间戏曲舞台，始终难以开发出自身的个性潜力。扬琴的音色颗粒性很强，极具艺术表现力，作为击弦乐器，其发音方式是击一次出一音，属于典型的点状发音。轮音在扬琴演奏中作为一种常用的技巧，具有鲜明的弹拨乐器特色及丰富的艺术表现力，轮音技法能够将散落的点组成圆润的线，无论是双竹单音轮、双竹和音轮、双竹八度轮，还是左竹单轮或右竹单轮，都有其各自特点，或淡雅或者浓烈，或者轻柔或者刚劲。轮音在扬琴演奏中不只是一种单纯的技术动作，更是一种重要的表现手法，其能够起到润饰声音并延续情感的作用，可以恰如其分地表现出音乐情感变化，从而体现出乐曲的艺术表现力，能够突出乐曲风格，塑造出美好的音乐形象，从而给人以美的享受，所以，轮音是扬琴演奏技巧方面不可缺少的基本功。本文通过分析轮音产生的原理，阐述其种类和特征，并介绍了不同种类的运用技巧，以期为扬琴初学者掌握轮音技巧提供有益帮助。

2.认识扬琴轮音技法

2.1内涵：杨琴的轮音又称轮竹，即用两支琴竹在琴上快速奏出来的若干时值相同且力度均衡的音。轮音的基本要求是形成音的一线性。通过左右手在琴弦的某一音位上连续弹奏，使琴弦产生出连续的音响效果，发出有节律的高低波频。

2.2种类：根据运竹及音色特点，扬琴轮音技法可分为单轮、双轮、弹轮、反竹轮和琶音轮共五种，前三种最为常见。

2.2.1单轮技法：单轮技法具体包括三种：单音轮竹、右手支手轮竹和左手支手轮竹。

（1）单音轮竹：即双竹在一个单音上作交替轮动，轮竹时左右手需要以均匀的节奏轮动，且力度均等，音量均衡，音色统一，轮竹密集的音点连成旋律后，需注意乐句强弱的变化。

（2）右手支手轮竹：将右手单轮作为主旋律，而左手作为伴奏音来丰富音乐表现力，该技法在乐曲中不常用。

（3）左手支手轮竹：是将左手单轮作为主旋律，而右手作为伴奏音来丰富音乐表现力，技法方面以腕力为主，以指力为辅，臂腕保持相对松弛的状态，利用琴竹自身弹性，上下运动击奏。

2.2.2双轮技法：是以双手的持续或者交替弹奏为基础，应该以手腕运动为主，双轮特点为两音同时发声，即弹奏时双竹同时击奏，接着迅速交替轮奏，中间不可以有任何的停顿，两音的力度及音色需保持一致，有时也需要加重主旋律，以免被低音音色覆盖。

2.2.3弹轮技法：演奏者以大指、食指为一点，中指为第二点，琴竹尾和大指根部为第三点，琴竹头即将接触琴弦瞬间，用手牢牢控制琴竹柄，琴竹杆下击动作的骤停，而琴竹头则利用惯性完成下击运动，此时，琴竹杆产生弹性，如此反复的弹击而产生弹轮。可以细分为左弹轮、右弹轮和双弹轮三种，弹轮已成为各流派风格的主要技巧，又发展为上、下滑弹等技巧。

将不同的轮音作为表现手段，不仅可以结合轮音方式清晰表现出静与动的对比效果，从而表现出凝思沉寂等情绪，还可以充分体现出民族音乐中“轻、微、淡、远”的审美传统，切实增强乐曲韵味与感染力。

2.3特征

2.3.1线性之美：扬琴的发展离不开组成线性音乐思维的轮音，扬琴演奏过程中的“点”与“线”作为构成音乐的两种表现形式，所谓的“点”即音符的颗粒性，这在弹拨乐器或者击弦乐器中相对容易做到；而所谓的“线”指的是音符的连贯性，体现的是音符的横向变化，注重不同音符间的结合，讲究音乐进行时的流畅性与抒情性。

2.3.2张力之美：轮音的张力指的是力度的强弱对比，是扬琴表现的重要手段。扬琴轮音时力度强弱有其自身的优越性与可控性，其变化区间非常之大，表现力极其丰富，但需要过硬的技术，方法科学、运竹合理加上适度控制才可以体现出强弱力度的质感变化。

2.3.3情韵之美：扬琴演奏中独具个性的音色追求作为扬琴轮音演奏的最高境界，更是扬琴的生命线。轮音的情韵表达与音色控制、击弦力度、速度和幅度均有一定的关系，它们之间的关系相互依存，相互制约，当运竹幅度较小、击弦速度较快但力度较弱时，音色则轻柔似风；当运竹幅度较大、击弦速度较快且力度较大时，音色则刚劲明亮；当运竹幅度较小、击弦速度较慢且力度较弱时，音色则抒情缥缈。

3.扬琴轮音技法的运用技巧

3.1握竹：双手自然展开并呈半握拳状，大拇指则向前方自然伸展，大拇指肚和食指外侧齐平一同压住竹柄，中指的第二指节接触竹柄，小指和无名指则自然弯曲。

3.2合理用力，松弹密匀：手、腕和臂均十分松弛且将力量集中于手腕，指腕密切配合可以产生弹性，该弹性同琴竹的弹性相结合，在弹击的过程中产生弹力，只有用该力击弦，方可以轻便而又灵活。松、弹作为轮音的精髓。松就是松弛，肩、颈、臂、肘、腕等各关节保持相对松弛，任何的紧张状态均不利于轮音，轮音的放松指的是运动中的放松，而非惰性的放松，是臂、腕和指做出角度细微差别的松弛运动，这样才可以获得灵活、清晰而均匀的轮音。弹即弹性，毫无弹性的生硬的击弦难以产生出好的声音色彩，放松则有助于弹性的发挥。

3.3左右手协调配合：扬琴演奏过程中需要轮流交替击弦，要求双手节奏均匀且力度统一，人们在日常生活中的一系列习惯致使两手灵活性不一致，因此，经常出现由于左手的不灵活而造成演奏的困难，所以，切实加强左手灵活性训练，促使左手像右手一样灵活，进而实现双手的协调配合进行演奏，已成为扬琴演奏过程中急需解决的现实问题。

综上所述：扬琴轮音技法的合理运用，使得扬琴一直以点性与颗粒性著称的“骨感”乐器增添了“曲线”及“丰韵”之美，从而变得窈窕、妩媚且极具动感，突显音乐的线性美、张力美和情韵美。在扬琴轮音的训练过程中，需要不断地增加音阶、音区等练习，切实增强击弦位置的准确性及运竹灵活性，以此提高轮音的密度，在演奏实践中应该对不同音乐特点的音乐作品，采用相对应的演奏方法与表现形式，采用不同的演奏技巧对旋律实施针对性处理，最终奏出富有美感的音乐作品所需要的旋律线。（作者单位：西安文理学院艺术学院）

参考文献：

[1] 肖笛.论轮音在扬琴演奏中的运用[J].黄河之声，2009.

[2] 熊佳.关于扬琴轮音技巧在乐曲中的运用[J].大众文艺，2008.

[3] 张雪.扬琴轮音技巧[J].艺术研究，2007.

[4] 周邦春.论扬琴轮音的艺术审美特征[J].湖南人文科技学院学报，2014.

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[6] 林红.扬琴轮音及其艺术应用[J].学琴经验谈，2003.

[7] 陈星，易先玲.扬琴轮音技法在乐曲中的应用[J].音论乐坊，2003.

配音技巧和方法范文5

关键词：二胡快弓；发展历程

二胡是中国民族乐器中的一种拉弦乐器，相传是古代胡人的乐器，所以被称为“胡琴”，又因只有两根弦，又被称为“二胡”，是中国最为重要的民族乐器之一。在二胡众多的演奏技巧中，快弓最具代表性，它是检测演奏者技术含量的试金石，也是检验作品深浅程度的砝码。二胡快弓的技巧发展能够代表时代的发展，推动其他演奏技巧的发展，同时也能促进二胡音乐的创作。本文基于对《光明行》《三门峡畅想曲》《战马奔腾》三首代表性曲目的浅析，试图归纳、总结二胡快弓三个发展阶段的一般规律，以期为二胡艺术的继续发展和持续繁荣提供相关理论依据。

1 以《光明行》为代表的发生阶段（1915年～1949年）

二胡发展至今已逾千年，在民间、军旅、宫廷中流行，成为雅俗共赏的弦乐器，长期为伴奏之用。1915年刘天华先生创作的第一首二胡作品《病中吟》问世，标志着真正有结构、有主题、有一定技法的二胡独奏曲从此产生。这彻底改变了二胡的“叫花子”地位，我国二胡音乐的创作新时期也由此开始。

刘天华先生早期的作品主要表现忧虑、痛苦、激愤、彷徨的情绪，弓法多为慢弓，这与当时的社会发展有着密切的关系。在旧中国的封建社会，劳动人民处在社会最底层，生活困苦，温饱问题无法解决，艺术发展相对滞后，音乐形象不可能欢快流畅。

而《光明行》的产生，改变了原有作品的苦闷情绪，更注重在号召、团结、追求、奋进等方面表现中心思想，弓法变得欢快而激进，曲作者对弓法的力度要求已基本奠定了二胡快弓的形成，这是二胡发展史上一次里程碑式的革命。《光明行》创作于1931年，表达了人民渴望社会进步与追求光明的决心，将激情振奋的情绪融入创作之中，深刻反映了人民对光明的美好期望。这是一首少见的进行曲风格的器乐作品，也是一首具有浓厚民族气息的器乐作品，其创作之源是刘天华先生为驳斥某些外国人“中国音乐多缠绵无力，萎靡不振”的说法。乐曲独特的进行曲风格，表现了爱国者追求进步、赞颂光明的进取精神。音乐结构具有复三部曲式的特点，包括引子、四个段落和尾声，共六个部分组成，除引子外，其余五个部分各包括两个完整乐段。[1]“以来，革命潮流汹涌，原有的一板一眼、娓娓道来的缓慢节奏的音乐氛围已远不能反映这个时代的精神，时代呼唤快节奏，人们期待光明，二胡的快弓便应运而生了。

《光明行》引子是连续四小节内弦的空弦顿音，演奏时需要由弱渐强，模拟由远至近的行进步伐，而后第一段，是两个由强渐弱的连顿弓乐句开头，顺势引领后续旋律，激昂向上，通过模拟军鼓、军号的节奏律动，来表现人们勇往直前、铿锵有力走向光明的气势。时至今日，我们重新诠释《光明行》，它还是那么“光明”，极富时代性和思想性，不得不佩服一代宗师、音乐巨匠的伟大创作。

除《光明行》外，刘天华先生的《空山鸟语》（1918年初稿）和《烛影摇红》（1932年）等作品也运用了快弓技巧。《空山鸟语》节奏欢快、快弓运用充分，第一段是快板段，每分钟126拍，比《光明行》每分钟快6拍，旋律的强弱起伏、换把动作的敏捷以及泛音位置的准确把握等方面，将音乐的意境和鸟儿喧闹的艺术效果表现得生动形象。快弓演奏飞流直泻，畅快淋漓，既不拘泥于乐谱，又不陷入自然主义模拟的俗套，右手快弓及左手特殊演奏技法的有机配合，足以将表现力丰富、最接近人声的二胡的演奏风格表现到极致。

当然，这个时期的二胡快弓与后阶段的快弓，在技术难度上和速度上是不能比拟的，但在那个时代，能有如此的进步，通过追求、探索二胡的技巧来彰显时代风貌已经难能可贵了。

2 以《三门峡畅想曲》为代表的发展阶段（1949年～1976年）

时展到解放初期，新中国的成立对文化艺术变革发展的影响是极其深刻的。1963年第四届“上海之春”二胡比赛出现了大量的新作品，如刘文金作曲的《豫北叙事曲》《三门峡畅想曲》，赵震霄、鲁日融编曲的《秦腔主题随想曲》，黄海怀作曲的《赛马》，鲁日融作曲的《迷糊调》等，此外，还涌现出许多新颖的演奏技法、风格及优秀的演奏人才。

《三门峡畅想曲》是刘文金1960年创作的，全曲体现了刘文金在传统音乐和作曲理论方面的深厚功力――一些高难度的技巧如自然跳弓、快速跳把、频繁转调第一次应用到了演奏之中。这远远超越了刘天华作品保持了三十多年的技术难度记录。二胡音乐的创作被推向了专业化的高度。

《三门峡畅想曲》反映了年代的时代背景――提出水利是农业的命脉，全国上下积极响应修建水库，生动描写了三门峡水库工地上工人们紧张而又欢愉的劳动生活。这首纯创作的乐曲，丝毫没有“为技术而写，为技术而奏”的痕迹，在曲式、调式调性的布局，音乐形象、技巧等方面，都有着划时代的创新，大幅度提高了二胡的演奏技术和表现力，不愧是新中国成立以后二胡音乐发展的里程碑。

以《三门峡畅想曲》为代表的同阶段作品还有《山村变了样》《金珠玛米赞》《小花鼓》《喜送公粮》《喜唱丰收》《奔驰在千里草原》等，这些作品的诞生，极大地丰富了二胡音乐的曲库，不禁让人惊叹：二胡还可以演奏得这么快。可以说，这一届的二胡比赛是推动、普及二胡的一次进军号，国人掀起了学二胡的热潮。自新中国成立以来，二胡的创作手法、演奏技巧、演奏速度、两手配合等方面都有了一定的提高。《奔驰在千里草原》抛弓、垫弓演奏技巧的出现，《喜送公粮》左手拨弦和《赛马》右手拨弦的出现，都是在快弓的基础上发展而来的。

这个时期二胡快弓的技术程度已经得到了飞速的发展，曲目与曲目之间、流派与流派之间，百舸争流，一片繁荣，这为日后的成熟阶段奠定了深层次的基础。

3 以《战马奔腾》为代表的成熟阶段（1976年“”结束至今）

1976年“”结束，全国人民欢天喜地。陈耀星创作的二胡独奏曲《战马奔腾》问世，这时快弓技巧的发展已达到了相当成熟的地步。

《战马奔腾》创作的问世，打破了二胡原有的只能演奏单音的传统，演奏者通过弓毛、弓杆与琴弦的配合，使原有的每一弓只可以演奏几个音，发展到一弓能演奏多音，且速度加快，将战马的嘶鸣声表现得真实而贴切。《三门峡畅想曲》《奔驰在千里草原》这类作品的快弓程度，已远不能满足《战马奔腾》的演奏需要，得益于新的快弓技法，使《进行曲》在作品中更富气势，铿锵有力，特别是引子部分。乐曲激昂的情绪、雄伟的气势、紧凑的结构，一气呵成，用来表现战马嘶鸣、万马奔腾，以及展示冲锋、厮杀、呐喊等生动的战斗场面，使演奏力度明显增强，更富新意，这与二胡制作工艺上琴弦材质的更新、加粗及弓毛数量的增多有着密切关系。快弓速度与力度有机结合，成就了《战马奔腾》这样一首积极奋进、气势浩荡的优秀作品，这时还有谁会相信二胡只是一件“哀乐乐器”呢。

《战马奔腾》全曲贯穿了快、气、清、真四大要点，其独特风格自始至终都突出了“快”字。如果说此前的快弓只是片段性的快，那么《战马奔腾》便是连续性的快，这是这个时期快弓最大的特征。随着情绪的推进，速度有增无减，张力明显，尤其是连续十六分音符乐句都有一定的冲力，使之成为“音流”而直泻于九天之上，这时表现出来的音色也明亮清脆，一反往常的暗淡无力。快弓发展促进了二胡制造业的发展，由原来的牛筋、蚕丝弦到现在的金属弦，由原来的简易弓子到现在的马鬃毛制的弓子，使二胡形制逐渐发展并趋向稳定。

《战马奔腾》中运用了几种新的演奏技法：大击弓、双弦快速抖弓和飞弓，皆是在快弓的基础上发展而来的。

大击弓，是陈耀星新创的模仿马蹄声的演奏技法。双弦快速抖弓，是借鉴了琵琶演奏法的“双弦推拉”、“绞弦轮指”等技术，发明并运用的一种新技法，用于模拟展现练兵场上千军万马、刀光剑影、人喊马嘶冲锋陷阵场面的音响效果。飞弓，即快速连顿弓，这种弓法与小提琴演奏技法中的“飞跃断弓”相似，大多是运用弓子的自然弹性，在一弓之内快速地奏出十几个乃至几十个极为短促的音，用来模仿马嘶鸣后的喷鼻声，内弦上的飞弓多以拉弓起，跳音快速且清晰，在外弦上也可以演奏，但用得较少。[2]这个时期的作品，在技巧运用方面改革创新的力度最大，也是非常成功的。

80年代以来，随着改革开放的深入，大量移植作品出现。有从西洋乐器演奏的中国音乐作品移植而来的二胡曲，如《阳光照耀着塔什库尔干》；有对外国音乐作品进行移植和改编的作品，如《小夜曲》、《土耳其进行曲》、《野蜂飞舞》、《查尔达斯》、《霍拉舞曲》、《吉普赛之歌》、《无穷动》等。

中国民乐二胡与西洋乐小提琴同属拉弦乐器，分别是中西乐队中的灵魂，所以将小提琴曲移植成二胡曲相对匹配。但小提琴四根弦，而二胡只有两根弦，用两根弦内外线形上下把位的快速演奏，增加了作品在速度、力度、节奏、音准等方面的难度，这时，快弓不仅是速度的提升，更多的是两手配合及音色节奏的准确控制。《无穷动》一曲，从头至尾长篇幅的十六分音符、频繁不断的上下换把、变化音，速度保持下的强弱对比处理、左手敏锐高超的演奏技巧、手指松弛富有弹性的按弦、右手的快速运弓、左右手快速而默契的配合等方面，都将快弓带来的技巧发展体现得淋漓尽致。对于小提琴来说，在当时的西方已经形成科学而规范的演奏体系，将小提琴的发展技巧及作品运用到二胡上来，古为今用，洋为中用，使二胡音乐的创作呈现出丰富多彩的繁荣景象。没有快弓，谁可以用二胡演奏这类作品？二胡技巧与技法又怎会发展得这么快？因此，快弓是带动其他技巧发展的关键。

4 结语

快弓获得了快速的发展，同时带动了二胡新技法的产生与发展，这与作曲家勤于研究、忠于探索，将西方音乐风格与我国民族音乐有利结合是分不开的。任何事物都是在前进中发展的，从《光明行》到《战马奔腾》用了60年的时间，二胡的演奏技巧发生了天翻地覆的变化。这当中最令人欣慰的是，演奏家在研习快弓的同时，又派生出“抛弓、垫弓、大击弓、双弦快速抖弓、飞弓”等技巧。快弓发展到今天，是一个新阶段的开始，我们应该用科学发展的眼光来看它的发展趋势。将来还会产生何种新的技巧我们不得而知，但有一点是可以肯定的，快弓技艺的发展离不开时代的进步，同时快弓也是催生其他技巧产生的源头。

参考文献：

[1] 施维.中国民族器乐作品解读与鉴赏[M].上海：上海音乐学院出版社，2007：148.

配音技巧和方法范文6

【关键词】演奏技巧；大提琴；音准；揉弦

中图分类号：J622.3 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）08-0091-01

一、大提琴演奏握弓技巧

在学提琴之前，首先要学习相应的握弓和抱琴技巧。只有养成良好的习惯，才能够减轻因长时间演奏对身体造成的不适，有一个轻松的心态，进而达到事半功倍的学习效果。下面简单介绍一下规范的握弓姿势和技巧。

说到如何让初学者拿弓的右手放松，其实关键是要想办法让其右肩放松。整个身体坐正，右肩自然放平和左肩同高，因为很多初学者在拉琴时右肩比左肩高，他们认为这样拉A弦会比较容易，其实不然，这样会直接导致其肩膀紧张，拿弓子手也随之紧张。右肩放松自然下垂，不会影响拉A弦的。还有一点就是，握弓子的右手要自然张开成握鸡蛋的状态，平时刻意感受一下握着一个鸡蛋是什么感觉，拿弓就是这种感觉。

另外，在拉推弓时，肩膀带动前臂一起动，不要只动前臂或手腕，这样弓子就不可能放松了，整个右半部分身体要舒展开。初学者在练琴的时候要注意这几点，一是右手放松，左手也要放松，特别是在柔弦演奏的时候。二是在大提琴演奏的过程中，特别是在更换把位的时候要注意音准。三是注意右手弓子不要打滑，弓子在指板下方5厘米处最适合，但是不要上下打滑。

最后单说明一下抱琴的姿势。初学者在抱琴的时候身体要主动前倾，不要往后仰，坐在琴凳的三分之一处，双臂环抱琴，这样有助于换把位，特别是换高把位。

初学者要纠正自己演奏大提琴时的姿势，并逐渐养成习惯，熟练掌握大提琴握弓和抱琴的技巧，避免身体产生疲劳感，有利于提高大提琴的演奏能力。

二、大提琴音准把握技巧

大提琴演奏过程中，音准的控制是要由手指来完成的。所以，要想把握好大提琴的音准，首先要进行手指的训练，将每一个音符把握好，进而熟练掌握每个音的准确性。

由于手指的结构特点不同，在进行指法教学的时候也需要注意不同的教学技巧。比如拇指较之其他手指少一个关节，其触碰弦的位置是拇指指端，很多演奏者不注意这个细节，常常是利用拇指外侧来触碰弦，导致在演奏过程中出现手腕压住拇指的情况。在平时的运动中大多数都是张合动作，在进行演奏的时候关节运动会比较僵硬，因此在训练指法技巧时注重拇指柔韧性的锻炼，多对拇指进行垂直运动的锻炼。另外，拇指还需要支持整个手掌的移动转移，让手指在大提琴上得以迅速移动演奏，演奏出时间比较持久的音符串列。

当逐渐了解了每个手指所对应的琴弦时，要进行快速演奏的训练。这就要求初学者手指的灵活度，以及手指之间的完美配合。通过手指之间的完美配合，再加上每个手指音符把握的准确度，形成一个连续清晰的音乐演奏，并让音乐富有饱满性，避免在音乐演奏过程中出现停顿现象。

总之，通过对手指灵活度和配合性的训练，以及手指音准的把握，进而形成演奏者自己的音准把握技巧。

三、大提琴演奏揉弦技巧

在众多大提琴演奏技巧中，揉弦技巧难度较高，因为揉弦技巧的运用对手指的要求比较高，并且演奏过程比较复杂。但是，揉弦技巧也是在大提琴演奏过程中经常用到的一种技巧，对于大提琴初学者来说，在练习揉弦技巧的过程中，不要因为弹奏不好而产生急躁心理，要对自己的练习时间和任务做好规划，有规律地进行练习。揉弦技巧主要是通过手指控制大提琴演奏中的速度和力度，协调不同音区和不同类型的音符，再加上颤指技巧的使用。下面简单介绍一下如何把握速度和力度。

在演奏过程中，会有一些强音和低音之间的转化，对于一般的演奏，在演奏强音的时候，要加快速度，提高振幅；演奏弱音的时候，振幅要比高音时的振幅要大，节奏和速度要慢。但是对于不同的琴弦来说，规律又有一些改变。总之，演奏中所谓的快慢、高低都是相对而言的，把握好演奏的速度和力度，形成揉弦技巧。

总而言之，大提琴演奏技巧的熟练掌握，不是一蹴而就的，需要初学者进行长时间的练习，进而提高大提琴演奏水平，并将情感融入到大提琴演奏之中，进一步提高演奏能力。

参考文献：