艺术创作范文1

昨天下了一场雨，既不磅礴，也不缠绵，是一场中庸的雨。宜人之极！

初出茅屋，咋一进入网络，只觉得眼花缭乱，看不过来。几日间，才子佳人，恨不能尽收眼底。

很多人误以为我是黛玉，泪光点点，其实，有时觉得自己是妙玉，僧不僧，俗不俗，男不男，女不女，加上那句“气质美如兰，才华馥比仙，天生成孤僻人皆罕”……见笑见谅，此为我一向的诗人病，是令周遭恨过又理解的天然秉性。（扯远了，再回来说下文）

看到网络上说金庸先生加入作协的事，又有人退出作协，真是“星夜赶考，天明辞官”，各有去所。金庸先生加入作协有点可惜，他的书全球华人都在看，他是属于全世界的，作协应以他为荣光。作协这样的机构对我们这些自由主义者似乎够不成吸引力，秦观诗曰：

自在飞花轻似梦！

还有比追梦一生更美的事吗？

王国维老先生幸好不与我同时代，他是正统到不可逆转的倔人，本来很敬仰他的，可是，他不喜欢柳永不说，还大批，这就让人大失所望了。《资治通鉴》述：“诗家之有李商隐，犹如词家之有。”正统到古板，好比诗词之禁忌：“文多拘忌，必伤其美”！拿书画鉴赏来说，就是匠气。

诗为知音道，难与俗人言，诗向会家吟，琴向知音谈。诗人多抑郁，是因为别人读不懂。是耶！品诗与赏画，相通。钟荣《诗品》述：

或清音独远，或文温以丽，或辞采华茂，或凄怆雅怨，……

情美结合，才才能产生好诗，好意境。（拙见与王国维相悖）

这才言赏画：

养就孤标人不识，独立书斋啸晚风。

这是中国绘画史上一个独立高标的大师：青藤主人徐渭的诗。

江南自古多名士，徐渭放浪形骸，随意率真，苍凉自怜。他的画，打破传统，又蕴藉传统。其画大都不用线条勾勒，而是水墨泼成，没骨苍润，经脉全无，纵横奔驰，落笔生风。有一种气势扑面，不可抗拒的美的力量！南怀瑾先生说：世上有几种人活得癫狂：诗人，画家，哲学家，科学家，他们身上都充满着近乎发狂的主观精神。石涛，山人，郑板桥，吴昌硕，齐白石，这些后来的大家，都是徐渭的“青藤门下走狗”。

齐白石称：“恨不早生三百年，为其磨墨理纸”。

好的艺术作品，无论诗词，书画，一定不可没有生活，所谓生活，就是作者的生活情态。一句话：个性，个性的艺术！

这才又说艺术审美：艺术审美是很精致的情感思维过程。

何谓诗？情之思也。情境俱美也！

尼采说：诗是经过沉思中回味的情绪，诗的创造不是照搬自然的状态，而是经过冷静的观照与思考，受阿波罗的洗礼，融化洗练，而传达的诗人的情感意趣。

朱光潜说：诗的境界是情趣与意象。诗必有所本，本于自然。亦必有所创，创于艺术。

当我们领会一首诗时，会看到一幅画，或是一个故事，从而产生美感或感动。

王国维说：诗人必须有轻视外物之意，故能以奴仆命风月。又必有重视外物之意，故能与花鸟同忧乐。入乎其内，出乎其外……因而，诗人以生命感知，抒发个人快慰与忧伤，从而又以华美典丽的文字，触动人的心灵，唤起美感或引发共震。艺术审美由之产生。

而一般人感受外物，忧喜既过，便不复存在。好比那些走访别人博客的人，不带情感“悄悄的来，悄悄的去，不留下一丝云彩”，那是阅读，而非审美！

诗的审美，好比情人之间互解风情：

相看两不厌，只有敬亭山。

一种相思，两处闲愁。

倘无此种意趣，也非艺术享受，全无情趣可言，好比风情万种的美人，与瞎子结成了夫妇。艺术审美的最高享受是：才子手眼，评才子文章。此为“形而上”。

下面说说我遭遇的形而下：

我在浣花逸景的这套居室，是带一个斜顶阁楼的两层套房，当初刚入住时，时常有些朋友来参观。搞艺术的人见了，总是很惊喜，这种坡顶的结构让他们产生创作冲动。而普通人见了总是不以为然：这样斜斜的屋顶，怎么住啊？

让我想起一个笑话：

有人做实验，把一支彩色铅笔放在一个盛水的玻璃杯里，科学家看到的是铅笔在水杯里的角度，而我们的诗人，艺术家却看到铅笔在水里呈现的波浪美态。

去年秋天的一个雨晨，我撑着伞去楼下的花园看望雨后的桂花，星星点点的白色小精灵散发的阵阵幽香让我心旷神怡，这时，来了一位清洁女工，好奇的看着我说：

“下雨你还来看花，我来帮你摇。”

来不及阻止，她已飞快的行动了，顿时，白色的香雪洒满一地，何等愕然，恍然，怅然，俯身，可惜浸泡在水中的白屑，已无法拾起，正在伤感，她的叉头扫把飞快的扫过，瞬间白变了黑……清洁工是没有错的，她的工作就是清早扫地。

我在浣花溪公园也遇到类似的情况：

秋天，上帝把银杏的色彩送给人类，使我们忧伤的心情由此生出无法言语的快慰，那时，我每天都会去园子里赏银杏，层层叠叠，飘飘飞飞，正是美不胜美！

清洁工们嫌叶子落的缓慢，每天增加他们的工作量，因之趁领导不在跟前的时候，使劲摇树……那是很凄惨的一幕，总是很凄然的看着他们，心下不忍而又无奈……

我家楼下就是成都最有名的送仙桥古玩艺术城，偶尔会去古玩店转转。一天碰到一位台湾古玩艺术品投资商人，主动与我交换名片，在店主的招呼下入座。聊到古玩鉴赏，此人称兴趣只在上千万的拍品上，为的追求更为巨大的利润空间。这大概是我最头疼的一次交流，但是，我的一句话对他起了深刻作用:

“我的鉴古在与一个美字，你的在一个钱字。我们之间的快乐是不一样的。”

……

艺术创作范文2

关键词：客观存在艺术内容艺术形式

艺术作品是由内容与形式两个要素构成的。在艺术理论中，长期以来把“内容决定形式”看作是一个现实主义创作必须遵循的规律。这种说法似乎已经过时间的检验，毋庸置疑。20世纪初,****倾向在艺术理论和艺术创作中崭露头角，在造型艺术领域内，克莱夫·贝尔和洛杰·弗莱都是上世纪西欧具有代表性的****理论家。贝尔的《艺术》中提出“有意味的形式”①，全面肯定了绘画艺术的精髓全在于形式结构之中，而内容、情节都无关紧要。内容与形式问题，在我国80年代以来艺术理论界的争论有增无减。自吴冠中先生的《内容决定形式?》一文发表后，理论面临着实践的挑战。二十多年来，随着唯美艺术品和各种观念艺术在艺术市场上的兴起，人们似乎进入了一个艺术创作过程的自觉状态，淡忘了艺术创作过程中内容与形式的关系问题，一些艺术品以取悦部分富裕人的审美情趣为能事，以华丽的形式与材料表现苍白的内容与情节。作为艺术创作过程的两个构成要素，内容与形式在艺术品中哪一个更为重要。我们不妨作一下探讨。

艺术创作的源泉

艺术作品是由艺术家创造的，艺术作品是由可触、可视的形体、色彩等构成的。从宏观的角度看，任何时代、任何民族的艺术都是这个时代、这个民族的社会生活的反映。特定的社会生活首先造就了属于特定时代的艺术家，而且，不管艺术家自身怎样离群索居，他仍然是属于社会的人，是属于社会生活这个有机体上一个活生生的细胞。因此，艺术作品作为人的精神产品，就不可能不反映这个特定的社会、特定的时代，艺术作为一种意识形态形式，也就不可能不为社会存在所决定。

这里要弄清艺术与生活的这种关系，即生活对艺术的先决地位，并不是内容与形式的关系。因为它们不是同一事物，不是统一体内的两个方面。我们肯定生活与艺术是决定与被决定的关系，是因为它们之间是存在与意识的关系，而不是内容与形式的关系。因此，生活本身不等于艺术的内容。艺术内容不是客观存在着的生活，而是对这种客观存在的反映，它仅仅是一种意识、一种审美意识，它来自客观而不是客观自身。因此，在艺术中，内容与形式的关系不能被误认为是存在与意识的关系，进而推演出决定与被决定的关系。作为一种意识的艺术内容，在没有形成艺术作品之前当然还是假定的、非现实的，当它需要回转到客观时，那就必须借助于物质材料来加以体现。而这种体现的方式，就是所谓艺术的形式。正如艺术的内容来自客观一样，艺术的形式也同样来自于客观，而非内容产生出来，从中足见客观存在既是艺术内容的源泉，也是艺术形式的源泉。

内容与形式的对立统一

在艺术的内容与形式这对范畴中，把内容看作始终居于决定地位、支配地位，或把形式看作高于一切、起主导作用，其实这两种观点都是与辩证唯物主义观点相悖的。

如果我们把艺术形成的过程看作是一个事物发展的过程，把内容与形式看作是事物矛盾着的双方对立而统一的过程，那么，我们就不难看出上述的两种观点的偏激性。诚然，矛盾的主要和非主要方面相互转化着，事物的性质也就随着而变化，这是对艺术创作过程中内容与形式的矛盾运动过程的描述。内容对形式的决定作用，并不体现于所有的创作过程和创作过程的所有阶段。创作过程作为内容与形式的矛盾运动过程，始终是在矛盾双方的相互作用中迂回发展的。当艺术家还不能够领悟他描绘对象的丰富内涵到底要表现什么意图时，纵然他有纯熟的技巧，也难以创造出一个完美的形式。在这种情况下，形式的缺陷总是起源于内容的缺陷，内容对于形式的决定作用即由此可见，反过来也如此。当艺术家已把握到事物所蕴藏的含义，把握到事物的本质特征还只是头脑中的一种意识，且始终找不到一个恰当的形式加以体现时，形式的缺陷必然要引起内容的缺陷，而形式对内容的决定作用也在于此。正如苏轼说：“有道而无艺，则物虽形于心，不行于手”。②由于缺乏起码的造形手段，虽“有道”而“无艺”，所以就不能将心中的“意象”通过一定的形式自由转化为可观照的形象。因此，如果运用对立统一规律解释艺术创作过程，就应该是这样一个内容与形式不断相互转化、改造的过程，而决不是一个决定与被决定的过程。

内容与形式的融合

内容是指构成事物的诸要素，而形式是指这些要素的结构关系。从艺术作品的形成过程来看，我们会发现这样一个事实：作为艺术作品自身，它并不能结构出一个可供观照的对象，它必须借助于某些物质材料才能体现自身。然而，这些物质材料(如石头、泥土等)，对于那些“借助者”却是独立存在的，它自身就是一个既有内容又有形式的可供观照的“实体”。这就不能不使我们想到，当它成为某种“意象”的体现者而进入艺术的范畴之后，它到底扮演着一个怎样的角色?一些观点认为，它的存在就是艺术的存在，它的毁灭就是艺术的毁灭。笔者认为，在艺术作品中，作为基础性的东西不是一个而是两个。它们是相互借用的两种材料，即物质材料和感性材料有序和有机的融合。这两种材料，一个是艺术家的观念世界，一个是体现观念世界的物质构成形式。“意象”通过“物象”的绘声绘色方式显现为可供观照的艺术形象，从而使艺术成为一个个客观存在的“实体”。因此，这个转化过程对于“意象”来说，它因得到了一个物质的形式，从而显现为艺术作品，对于“物象”来说，它因得到了一个形象的形式，从而使它以艺术面貌出现。于是，作为感性材料和物质材料的各种要素交融在一起，达到了同一。

我们从人对自然物质的加工改造方面看，如果艺术家凭借自己的手和自己的想象力、创造力把物质(如：一块石头或一块画布等)改变一种形态，赋予它们一种新的结构、一种新的形式。那么，这些物质由于在形式上起了变化，它们在观照者的眼中就不再是它们自己，不再是石块和画布，而可能是一个动物、一组静物或者其他可视形象。这种由形式结构的改变所引起的“内容”的质变是惊人的，它们从无生命物质变成了有生命物质。当然，并非这些物质材料本身发生了质变，而仅仅是在观照者的心目中引起一种“质变”的幻觉。而从这种幻觉中，人类看到了自己，看到了自己创造的价值，看到了自己改造物质世界的能力，因此也就看到了美。然而，按****的概念，造型艺术作品本身是由可触可视的形体和色彩构成的，认为形和色是艺术作品的血肉生命，这种“形式和结构”就是艺术的精髓，这种说法有悖于事物的一般规律，淡忘了艺术品的创造者的观念或意愿。笔者认为，物质材料作为艺术的物质基础，作为艺术产生的物质要素是不容忽视的。艺术生命只有靠这些物质材料的结构组合才能诞生，艺术的灵魂也只有“有体可附”的时候，才能成为可以感受到的活的灵魂。

由于艺术的“躯体”是由物质材料构成的，所以，物质材料在很大程度上决定着艺术作品的面貌和风格。一种新的艺术形式的出现，差不多都与采用新的物质材料有关。原始时代的陶器，商、周的青铜器，汉代的画像石、画像砖等，材料的不同，对艺术的风格面貌会产生不同的影响。因此，作为艺术的物质基础的物质材料和作为艺术形象基础的感性材料，对艺术的形式都发生决定性的影响。正是在这个意义上，我们可以说，不仅艺术的内容可以反映时代的生活，艺术的形式本身也在同样反映着时代的生活。彩陶、青铜器及画像砖、画像石这样的以不同物质为基础的独特形式，现在看来竟成了不同的时代标志。

艺术作品的内容与形式的统一，是艺术创作过程的一体性“建造”。如果说艺术作品是一个“生命”，那么，那些按照一定秩序建造构成这生命的“生命物质”，可谓是生命信息的“载体”。所谓艺术的灵魂，艺术的思想内容只有通过这些“载体”才能显现出来。因此，内容与形式不能独立存在，它们只有表现为彻底的统一，艺术作品才能真正产生。

注释：

艺术创作范文3

关键词：艺术;创作;独创性;研究

近年来，人们对艺术品的喜爱程度在逐年攀升，所以如何更好地进行艺术创作是当今艺术创作者应该认真思考的问题。在历史的发展长河之中，全世界涌现出了大量的优秀艺术家，他们创作出了很多举世闻名的艺术品，给人们的生活带来了很大的影响，对人们艺术品鉴能力的提升也起到了有效的帮助作用。当然每一件艺术品都不是一朝一夕创作完成的，它们都耗费了艺术家们大量的精力和时间，而且每一件艺术品都是不同的，都有自身独有的价值和意义，所以艺术品的独创性是成就不朽之作的先决条件。当代艺术创作者在学习和创作过程中，要不断加强独创意识的培养，努力创新创作理念，只有这样才能创作出优秀的作品，才能更好地传承先辈们为我们留下的文明财富。

一、艺术创作中独创性的重要意义

齐白石曾经说：“学我者生，似我者死”。他的意思是说，他的创作技法是可以学习的，但他的情感和思想是艺术创作者学不到的，得自己去体验、思考和培养。艺术创作必须有自己的独创性，其艺术作品才能有生命力。这告诫了后来的艺术创作者，独创性才是艺术创作真正的重点。在创作学习中要加强自身独创性研究，并在作品创作之中积极表现出来，这是完美地完成艺术创作的先决条件。梵高学画的一段经历也许对我们有所启迪。梵高开始学画时，刻意模仿别人的风格，他的画看上去就像修拉图卢兹—洛特雷克和高更作品的蹩脚翻版，梵高还自鸣得意，以为取得了很大的进步。他的弟弟、很有眼光的画店商人泰奥对他说：“你真的以为能变成乔治修拉吗？你没有认识到有史以来只有一个洛特雷克吗？只有一个高更……谢天谢地！你想模仿他们，那太愚蠢了。”后来，梵高采取将各家之长融合到一张画中的方法，他的弟弟仍然不喜欢，说：“我们可以给这幅画起个名字，叫《摘要》。我们可以给这幅画贴上所有的标签。那棵树是货真价实的高更，角落里的姑娘毫无疑问是图卢兹—洛特雷克，小溪上的日光是西斯莱，色彩是莫奈，树叶是毕沙罗，空气，修拉，还有当中的人物，马奈。”这种摘要式的绘画唯独没有梵高自己，这当然是失败的。梵高认识到了自己的问题，决心离开巴黎，到非洲去，去寻找自己的色彩，自己的风格，自己的情感，最后终于成为有独创性的大画家。从梵高的这一段创作经历，我们可以看出：对于一位已经有了一定功底的艺术家，至关重要的是在生活中修炼自己独特的情感，力求对生活、对自然有自己独特的发现、独特的感受，才能创作出独特的风格。只有拥有自己独特的创作风格才能体现出自身作品的艺术价值，而单纯的模仿只会使自己的艺术创作在形式上有一定的价值，在内涵上并没有过多的体现，这样的创作永远达不到艺术应有的高度。而艺术创作者只会成为一名失败者，永远无法赶超先辈，那么我们的艺术品德将逐渐下滑，无法完成有效创新，这对我们的艺术发展有着不利的影响。

二、如何加强艺术创作的独创性

（一）以艺术构思为出发点，加强艺术创作的独创性表现

艺术最强调独创性，这种独创性主要体现在艺术构思之中。艺术构思的独创性表现在不重复，既不与别人重复，也不与自己重复。艺术创作的艰难在这里，而艺术家的伟大也主要表现在这里。罗丹曾经说过：“所谓大师，就是这样的人：他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来”。歌德也曾经说：“独创性的一个最好标志就在于选择题材之后，能把它加以充分的发挥，从而使得大家压根儿想不到会在这个题材里发现那么多的东西。”艺术的独创性取决于创作者的修养、认识能力与思维方式。创作者应该注重培养求异思维。如果只是求同，与生活的实际存在一个样，与他人认识和表现方式一个样，与自己过去的经验模式一个样———他就永远无法创新。求异自然难免有片面之处，但绝不能因噎废食。须知，对于艺术家来说，偏激和片面既是他的缺点，也是他的优点。那种能深刻地认识事物某一方面本质的片面，比那种不痛不痒地停留于表层把握事物的貌似全面要好得多，比不分轻重主次的平稳折中也要好得多。片面，如若深刻，能给人以震动，以启迪，倒可以将其片面性扬弃。而肤浅平庸的折中只会造成思想懒汉，它不可能给人们的精神增加任何财富。当然，我们绝不是提倡片面，鼓励追求片面，而是说，不要因为怕陷入片面不敢去思索他人没有思索过的问题，提出人家没有提出过的见解。在深入探索的过程中，我们应该力戒片面，力求全面。

（二）艺术创作不应该为追求新颖而忽视其内在价值

艺术构思既要考虑独创性的原则，还要考虑可接受性的原则。独创不能简单地理解成求“新”。“新”的固然很多是真的、好的、美的，因而称得上我们所要求的独创性，但“新”的也有一些并非是真的、好的、美的，因而就不能与独创性等同起来。如果“新”就等于独创，那独创太容易了。任何一个胡思乱想，都可以说是新的，但那是独创性吗？列宁说：“为什么只因为那是新的，就要把新的东西当作供人信奉的神一样来崇拜呢？那是荒谬的，绝对是荒谬的。”在进行艺术创作时，我们要充分考虑到欣赏者的接受能力，不能以追求“新”而忽视了作品所要表达的思想，艺术创作是为人欣赏而创作的，其创作目的也是为了提升人们的欣赏能力和思考能力，所以艺术创作不能违背欣赏者的思想、主观判断，违背人们的价值观，而去追求独创性，一切作品的创作都应该遵循为人们服务的基础思想。

三、优秀的艺术作品要以欣赏者的角度进行创作

（一）以欣赏者的接受能力为出发点进行艺术创作

艺术作品创作出来是要给人欣赏的。艺术的价值只有在它为欣赏者所接受、所理解的时候才能说得到了实现。须知，欣赏者同样是有血有肉有灵魂有创造能力的主体，他不是消极地被动地接受作品所传达的信息，而且还会调动自己的精神贮存，发挥自身的各种功能，积极地参与作品价值的再创造。因此，艺术家在进行艺术构思的时候应该考虑到欣赏者可创造的可能性，然后以独创性为原则进行创作，只有这样才能使作品发挥出应有的价值，才能让作品被人们接受，并发挥出应有的价值。

（二）需求“新”与“旧”的结合点进行艺术创作

艺术构思的独创性与可接受性是成反比的。道理很简单：最能为大家所接受的事物，是大家最熟悉的事物，最少创造性的事物；反过来，最富有创造性的事物，自然是大家生疏的事物，理解程度最差的事物。从心理学角度来看，人们对外界的刺激有“趋新”“好奇”的特点，但过于新异，过于复杂，超出了人们的接受能力，又不免失去了兴趣。克雷奇等编著的《心理学纲要》认为：“完全确定的情境（无新奇、无惊奇、无挑战）是极少引起兴趣或维持兴趣的。但是另一方面，当情境过度复杂、新异、不定时，人也可能想逃避到较少使人糊涂，甚至更少挑战性的情境中去。”一个太熟、太旧，一个太生、太新，皆不符合艺术创作的原则。艺术创作应该在新与生、旧与新这对立的两极发展中求得统一。所谓“两极发展”，即一方面要充分利用、挖掘、扩大欣赏者对作品的接受能力，尽可能使作品与欣赏者已有的知识、修养挂上钩，给欣赏者的审美再创造提供一个较好的基础，另一方面又要尽可能地避熟、避俗，力求创新。关键是要找到一个结合点，一个最优的处理方案，这样才能使艺术创作达到一个全新的高度，才能为欣赏者带来最大的价值，才能凸显出作品的价值。最后，我们在艺术创作时，在进行艺术构思中要力图采取各种手段，将欣赏者的情感调动起来，并力求使其升华，以充分展现艺术作品的独创性，实现艺术作品最大的审美效果。

艺术创作范文4

创作动机是艺术理论中的重要新问题，古今中外的艺术家、文艺理论家、哲学家、美学家纷纷从不同的侧面、不同的角度探究了这个新问题，他们的探究极大地丰富了作家创作的理论。但是，由于历史条件的局限，这个新问题至今仍然困扰着艺术家和理论家，因此，探究还在继续，成果也在不断推出。有关创作动机的探究，分歧最大的是摘要：究竟什么是艺术家创作的真正动机?弗洛伊德精神分析学中提到的“创伤”为我们熟悉创作动机的起因提供了极有价值的思路。

一、创作动机的含义及形态

有关创作动机的含义，学界没有太大的争论，基本上都认为它是一种促使艺术家从事艺术活动、创造艺术形象(或建构艺术世界)的心理动力。在中国学界，童庆炳先生的概括最有代表性，他认为，所谓创作动机，“就是驱使作家投入文学生产的一股内在动力，它的动态轨迹则是需要产生的，在心理失衡的情况下形成易感点，遇有外部刺激的触动，于是产生了带有极强烈行动力量并对整个创作过程起支配功能的或隐或现的意图或意念。wwW.133229.cOm”这个定义表明，创作动机源于需要，非凡是源于缺失性需要(由于缺失而导致心理失衡)，当这种需要碰到外部刺激的适当时机时，艺术家的创作动机就形成了，所以，创作动机是内心需要和外部刺激的合力催生萌发的。

童庆炳先生的看法实际上可以称之为“内在需要说”。其实，由于人是“一切社会关系的总和”，所以，促使艺术家从事艺术活动的动机可能是多种多样的，其表现形态也多种多样。假如从引发艺术家产生创作动机的角度看，可以分为“外部动机”和“内在动机”两种。

1　外部动机。

外部动机指的是作家完全是在一种外部力量的牵引下不自觉地产生从事艺术活动的心理动力。柏拉图的“神附说”和荣格的“集体无意识说”是典型的代表理论。

外部动机只看到了诱发艺术家进行创作的外在因素，而没有看到内在因素在“内化”外在因素的过程中所起的功能，因此是一种忽视艺术家主体功能的、片面的观点。

2　内在动机。

内在动机主要是指源于艺术家内心的要求，从而促使艺术家自觉地进行创作的内驱力。持内在动机说的有弗洛伊德的“**升华说”、厨川白村的“苦闷说”、马斯洛的“需要层次说”、阿德勒的“自卑补偿说”、萨特的“自我完善说”以及我国学者提出的“成就动机说”和“赞许动机说”都属于这一类。

以上几种动机理论对我国当代艺术理论的影响都很深刻。但我们认为，以上说法也存在着普遍的缺陷摘要：一是其探究方法上存在缺陷，把动机看成是静态的，没有看到人的动机是随着实践的发展而不断发生变化的事实；二是把人的某一方面的愿望看成是创作的唯一动机，没有看到人的动机是受其复杂的需要系统共同功能的结果，因此，他们实际上是脱离了人的社会属性来谈创作的动机。针对这种不足，我国有学者认为，“推动文艺家创作的，还有成就动机和赞许动机。”梁平安先生认为，成就动机是推动文艺家在毕生的创作中坚持不懈地为实现自己的奋斗目标的动力，赞许动机则是艺术家在创作获得初步成功的基础上期待获得更多的赞誉的心理动力。这两种动机和其他动机一起促使艺术家以极大的热情投入创作活动中。成就动机和赞许动机的合理之处在于把个人的动机和社会的需要结合起来考虑，社会对个人动机具有深刻的影响，而个人动机则通过“内化”社会的要求而产生强烈的创作冲动，因此，这是比较合理的解释。

二、弗洛伊德的“创伤”理论和创作动机

“创伤”是弗洛伊德在精神分析中一个很重要的概念，被弗洛伊德看成是神经病的一种重要原因之一。他对“创伤”是这样解释的摘要：“一种经验假如在一个很短暂的时期内，使心灵受一种最高度的刺激，以致不能用正常的方法谋求适应，从而使心灵的有效能力的分配受到永久的扰乱，我们便称这种经验为创伤的。”弗洛伊德认为，“我们也就把神经病执著的经验称之为‘创伤的’。因此，我们乃为神经病提供了一个简单的条件；就是说，一个人假如不能应付一个强烈的情绪经验，结果便造成了神经病，所以，神经病的成因约略类似于创伤病。”可见，神经病之所以发生，需要这样的条件摘要：第一，在一个短暂的时期内心灵受到最高度的刺激。第二，受到刺激的人无法用正常的方法谋求适应。第三，受刺激的人长期执著于创伤经验之中而无法摆脱。因此，受创伤只是神经病发生的一个基本条件，有一些人因为或者能经受起打击，或者能通过其他方式转移，他就不会患神经病。“一个人生活的整个结构，假如因有创伤的经验而根本动摇，却也可以丧失生气，对现在和将来都不发生喜好，而永远沉迷于回忆之中，但是这种不幸的人不一定成为神经病。”在“创伤”的原因中，按弗洛伊德的观点，是由于追求**满足的过程中受到挫折，要从挫折的阴影中走出，就需要有合适的通道，假如这个通道找不到，或者是通道阻塞，那么，神经病就形成了。

弗洛伊德认为，有部分人可以通过“移置功能”(displacenlent)，或是通过“升华功能”(sublirnation)的方式来实现替代性的满足。所谓移置功能，就是能量从一个对象改道注入另一个对象的过程，即改变本我的冲动的方向，以将它转移到另一个替代目标上去。弗洛伊德认为，假如被移置替代的对象是社会化领域中较高尚的目标，这样的移置就是一种升华功能，它表现为人的本能冲动被转移到追求知识、从事慈善事业和文化艺术等方面的活动中去。人类文明之所以不断发展，就在于人能将那些不能直接发泄出来的能量转移向高尚的社会或文化活动中去，实现了某种升华。弗洛伊德认为摘要：“凡是艺术家，都是被过分的**需要所驱使的人。”所以，弗洛伊德就认为，艺术创作就是为了满足**需要。所以，“创伤”也是激发艺术家的创作动机的一个契机。当然，并不是所有受到“创伤”的人都能把伴随“创伤”而来的压力变成艺术创作的动力，这也是弗洛伊德所看到的。

但是，弗洛伊德把“创伤”过于狭窄化了，这是不符合人的心理实际的，实际上，除了“性挫折”给人以“创伤”外，其他事情同样也能给人予以“创伤”，动机心理学的探究就表明，凡是不能给人的动机予以满足的事件都可能使人处于不平衡的状态，即“创伤”状态。因此，我们应该对“创伤”做更为广义的解释。

三、“创伤”对艺术创作的意义

“创伤”实际上是人在现实生活中感觉到的挫折感，也就因为心理要求或愿望得不到意料中的满足而产生的失衡感。那么，“创伤”对艺术创作有什么意义呢?

1　“创伤”是促使艺术家创作动机产生的催化剂。

据心理学探究表明，平衡感是人类的一种心理要求。阿恩海姆在其闻名的《艺术和视知觉》中，曾对人追求平衡的原因进行过探索，他说摘要：“对平衡所进行的最为普遍的解释是摘要：艺术家之所以追求平衡，乃是因为平衡本身是人所需要的东西。那么，人究竟为什么需要平衡呢?回答是摘要：因为它能使人称心和愉快’。”而根据动机心理学的理论，人也需要达到一种心态的平衡。阿恩海姆指出摘要：“格式塔心理学家们也得出一个相似的结论摘要：每一个心理活动领域都趋向于一种最简单、最平衡和最规则的状态。”他还客观地指出摘要：在人类活动中，平衡只能部分地或暂时地获得。即使如此，一个不断地从事于追求和运动的人，总是要设法把构成他生命状态的那些相互冲突的力量组织起来，尽可能使它们达到一种**的平衡状态。在生活中，需要和义务，总是各持一端，互不相让，这就有必要将二者协调起来。因此，他必须不断地和他一起生活的人进行周旋和调解，以便使背离和摩擦减少到最小的程度。

也就是说，人在大多数情况下都处在不平衡状态，因此，人生的过程其实就是不断追求平衡的过程。弗洛伊德在解释自己提出的“愉快原则”时也曾说过，他坚信一个心理事件的发动是由一种不愉快的张力刺激起来的。这个心理事件一旦开始之后，便向着能够减少这种不愉快的张力的方向发展。动机心理学家就把人类的动机解释为“由有机体内的不平衡引起的恢复状态的活动”。

前面已经提到，弗洛伊德认为，艺术家的创作就是“**的升华”，也即是艺术家通过艺术创作来平衡因“创伤”而产生的“失衡”。他说摘要：“性的冲动，对人类心灵最高文化的、艺术的和社会的成就作出了最大的贡献。”性冲动因为“升华功能”而成为艺术活动。他说摘要：“我们相信人类在生存竞争的压力之下，曾经竭力放弃原始冲动的满足，将文化创造起来，而文化之所以不断地创造，也由于历代加入社会生活的个人，继续地为公共利益而牺牲其本能的享受。而其所利用的本能冲动，尤以性的本能为最重要。因此性的精力被升华了，就是说，它舍却性的目标，而转向它种较高尚的社会目标。”可见，艺术是人的**的升华，是人的性本能的替代对象，然而人们从事艺术活动的目的从根本上说是为了缓解得不到满足的愿望，实际上是以艺术来疗救“创伤”，因此，艺术又是人摆脱痛苦的一条途径。正是在艺术活动中，那被压抑在无意识领域中的本能获得了释放，人的心理于是实现了新的平衡。所以，在弗洛伊德看来，人的**本能既构成了艺术创作的根本动因，又构成了艺术创作的最终目的。

2　“创伤”是促使艺术家进行创新的牵引力。

艺术创作范文5

年轻策展人卢迎华在会上提出了关于把历史写作作为艺术创作去进行，并通过策展体现出来的观点。实际上，卢迎华在第七届深圳雕塑双年展上已经对这一观点做了一个尝试。这个名为《偶然的信息：艺术不是一个系统，不是一个世界》的展览试图对1990年代的艺术史作一番梳理和回顾，同时也穿插了一些和1990年代作品毫无关系的作品，而1990年代的一些重要作品却并没有包括在展览里。为什么有这些作品，而没有那些作品，策展人没有做出具体说明，却给出了一个笼统的理论：因为“艺术不是一个系统”，一切都是“偶然的信息”。卢迎华认为“放弃对于陈述过去的艺术创作的线性和因果关联逻辑的惯性”，达到像艺术创作那样的境界，那么“也许我们可以洞察到艺术与艺术之间更本质和更基本的关联性”。

消除线性描述和逻辑关联，却要达到“更为本质的关联性”。这在艺术史的写作中可能吗？如果像让・凯奇把米粒随意撒在五线谱上来作曲那样，完全偶然地去选择艺术家，会不会为艺术史写作提出重大启示呢？艺术和史学的区别在于：史学有一个必须去面对的客体，而且以“求真”作为学科的立身之本。不去面对客体，不去求真，就不必称之为历史写作。历史学之所以要发展出一整套严谨的学术规范和技能，不仅是为了使自己区别于科学和艺术，更重要的是，这些方法使历史学能够最大限度地保持客观和中立的立场，时刻警惕意识形态或各种利益对历史写作的渗透。在中国现当代史上，利益和意识形态的压迫和渗透使历史写作成为一个重灾区，这是毋庸置疑的。

年轻策展人要开拓新的策展思路无疑是好事。在某种程度上，我非常赞同卢迎华在策展中寻找更多地运用创造性的方法，以获得更宽阔的视野。只是，创造性的思路必须有完整的理论阐述来支撑实践。把历史写作减缩成是对必然性的追寻，把偶然当作历史的写作法，显然太过草率和简单。“偶然”确是一个有趣的概念，特别是当它用对了地方时。当我们做一个和特定历史有关的展览时，把展览的内容结构变成偶然的组合，无疑是对历史这个客体的否定。

历史有没有一个客体？它是不是一个任人打扮的小姑娘？《大英百科全书》说：“历史一词在使用中有两种完全不同的含义：第一，指构成人类往事的事件和行动；第二，指对此种往事的记述及其研究模式。前者是实际发生的事情，后者是对发生的事件进行的研究和描述。”正因为我们只能通过历史的写作才能看到历史，所以历史写作的求真态度才显得异常重要。不尊重历史的事实，认为谎言重复一百次就是真理，和法西斯的态度就没有区别。历史写作，不仅需要“对史料竭泽而渔的收集和严格精详的考订”，也需要“排除主观因素，不将自己民族的、政治的、个人爱好的偏向掺杂进去，他必须尽可能地客观、中立，不偏不倚”（彭刚《什么是历史》）。

艺术创作范文6

正如弗洛伊德的人格心理学做揭示的那样，人格结构的复杂性会最集中地体现在每个人内在的“本我”“自我”“超我”之间的尖锐矛盾和冲突。“本我”，作为人格结构的最深层，常常处于无意识的状态，需要自觉接受现实和社会环境条件的制约和调节。“自我”需要接受社会的道德律令及自我理想“超我”的规劝和引导。三者之间的矛盾和冲突，严重时会使人焦虑和痛苦。对于人格结构尚在不断完善的青年艺术人才，面临成长困惑的青年艺术家尤然。艺术创作则以“宣泄”“升华”“转移”等方式实现解决了原欲的冲突问题。意识控制下的创作要求和无意识控制下的表达欲望，形成明显的对话关系，在艺术创作中彰显并获得协调的契机。艺术创作者在这样的“契机”面前，有意识协调社会道德和个人理性、本我潜意识。将此过程变为精神性产品创作生产过程，以及自身理想人格的建构过程。艺术创作过程，既涉及创作主体的内在平衡，也涉及创作思想和观念的成功孵化。这一过程中，创作者协调本我的表现冲动，兼顾社会道德和个人理想，在艺术创作主体自我的伟大克制过程中实现自身的不断成长。艺术创作者的创作训练，不仅是练技法，更重要的是练观念、炼思维、疏心理、梳行为、立价值、确品质。如此重要的一个过程和环节，有智能的，有技能的，有情商的，更有思想的，多个层面的积极介入和有效收获，才能真正满足阶段需求。目前对于优秀艺术家和作品的孕育，技法之外的补充，是当前艺术人才培养和艺术教育过程中比较大的空白。加强优秀艺术作品，如红色经典美术作品的传播意义重大。

二、与艺术媒介材料的对话：在对艺术媒材的驾驭中，增强其意志品质、协调矛盾冲突的能力和水平

艺术创作过程，是从眼中之竹到手中之竹。艺术家与受众媒介搏斗的过程，是一个创作者对创作客体征服的过程②。艺术创作主体针对物质媒介，按照艺术创作者意图形式化、秩序化，最后凝结为艺术作品的过程，就是不断使材料“去蔽”，发现、发掘、实现材料的潜在价值的过程，是艺术创作者与材料展开深入、生动对话的过程。这一对话及征服的过程，既是对艺术创作主体个人智能、技能的训练，个人意志品质的考验，又是智能、品质修养的过程。艺术创作者在其与特定艺术语言的艰难搏斗过程，要努力保持对话与和谐，不断实现主体与客体融合。对艺术家来说，这是心智的较量，也是耐力的角逐。此过程推动了艺术人才关键品质的训练提升，促进了相关智能和意志品质的养成，成为价值观塑造、道德责任感修养的重要实践途径。艺术作品要按自己的形式规律和逻辑要求发展。青年艺术创作者，要更为充分地接触新的艺术创作的媒介和材料，增强格物致知的勇气和决心；要更多可能体会那些扑朔迷离的、神秘的，会让人有挫折的、令人振奋的经验；要更积极地去协调各种可预见或不可预见的矛盾和冲突，学会顺应艺术创作规律，学会控制并引导艺术的“自行”发展。恩格斯盛赞巴尔扎克的小说创作按历史发展规律、社会历史发展逻辑所进行的创作。他认为，巴尔扎克等作家恰是在自己创作中坚持了“理智对情感的战胜”，增强了对社会的认识能力、理解能力，塑造了现实主义的观念，创作出伟大作品，而成为伟大作家。艺术创作过程，是创作者不断为自己设置问题，不断解答问题的过程。“一手设疑，一手解答”，艺术家与作品的不断对话，世界逐渐清晰和深入，艺术作品不断趋于完整，作品不断趋于完善，艺术家人格也不断趋于完善。

三、艺术家与欣赏者的潜对话：在对潜在读者的尊重中，强化艺术为人民，提升其服务社会和大众的意识和水平

艺术为人民，首先要求艺术创作之初就有对欣赏者的尊重。好的欣赏者反响和回应才存在践行“艺术为人民”的问题。所有创作，即使是天才灵感的闪现和癫狂境界的重现，都会指向潜在的或隐藏的欣赏者，即接受美学理论家伊瑟尔所称的“观念的欣赏者”。作者创作构思，观念表达之初，总在为特定的欣赏者创作。“当作家坐在一张白纸面前写作的时候，他（欣赏者）的影子俯身站在作家的背后。”③艺术创作，离不开艺术的欣赏和解读。支撑伟大创造者艺术创造的动力，始终有其寻找知音与理解者的强烈愿望。即使走在时代前列的激进、先锋的艺术家，其创作被认为晦涩难懂，远远超越所处时代的接受心理和能力，但如司汤达写作《红与黑》，也声称为下一代欣赏者而写作。完整的教育活动，不仅在艺术创作者作品创作完成，还要在其与欣赏者的有效沟通和信息反馈过程中，在佐证其欣赏者预期和欣赏者接受过程中实现。欣赏者的反馈，应该有充分的平台和体制去表达。这些都可以帮助艺术创作者检讨创作过程与欣赏者的对话，检讨其写作过程中欣赏者设定是否准确，检讨其与欣赏者对话语言是否适宜，创作观念及价值表达是否契合时代社会需求。